Thomas von Kempen war ein Mönch.
Er lebte vor mehr als 500 Jahren.
Er war ein bekannter Schriftsteller.
In seinen Texten ging es um Religion.
Thomas von Kempen hat gesagt:
„Bemühe dich daher, dein Herz von der Liebe zu den sichtbaren Dingen abzuwenden und dich dem Unsichtbaren zu·zu·wenden.“ 
Damit meinte er:
Viele Dinge kann man sehen:
Geld, Häuser, schöne Frauen.
Aber er findet:
Diese Dinge sind nicht wichtig.
Man braucht sie nicht.
Der Glauben und die Liebe zu Gott sollten das Wichtigste sein.
Das polnische Teatr Klucz hat ein Stück über die Liebe gemacht.
Das Stück heißt „Amoroso“.
Es geht um Glück in der Liebe.
Aber auch um verlorene Liebe und das Verlassen werden.
Das Stück verbindet Sprache und Tanz.
Es ist in einem langsamen Tempo erzählt.
In schönen, traum·haften Bildern.
Die Theater·gruppe hat mit ihrem künstlerischen Leiter Janusz Orlik gearbeitet.
Zusammen haben sie den Tanz entwickelt.
Die Gruppe hat das Stück „Amoroso“ schon in verschiedenen polnischen Städten gezeigt.
Dort mochte das Publikum das Stück sehr gerne.
Und die Gruppe hat verschiedene Preise dafür bekommen.
Jetzt wird das Stück zum ersten Mal in Deutschland gezeigt.

Hinweise zum Stück +

Mit Mariusz Józefiak, Jarosław Kubiak, Antek Kurjata, Daniel Laskowski, Bartosz Pawłowski, Lidia Piskorska, Karol Solski, Magdalena Szalbierz, Arkadiusz Żmijewski Regie, Bühnenbild, Musikalisches Arrangement Janusz Orlik Choreografie Janusz Orlik mit dem Ensemble des Teatr Klucz Choreografie-Assistenz Antek Kurjata Kostüme Agnieszka Ostrowska Lichtdesign Arkadiusz Kuczyński, Janusz Orlik Audiodeskription Marcin Głowiński (Skript) Produktion Kulturzentrum ZAMEK in Poznań im Rahmen des Projekts Europe Beyond Access, gefördert durch das Programm Creative Europe.

Nein, euren Eigen-Urin müsst ihr hier nicht trinken! Und auch sonst gilt: Vergesst, was ihr bislang über eure Fähigkeiten gedacht habt, widerständig mit existentiellen Herausforderungen klarzukommen. In „Bioluminescence“ schließen sich vier behinderte Menschen zusammen, um in der Postapokalypse eine opulente Klanglandschaft zu erschaffen. Sie beschwören Zauberformeln, um ihre behinderten Vorfahr*innen zu ehren und die Welt um sie herum zu verwandeln. Mit Humor, Popmusik und Patricia, der Schildkröte, besinnen sich Criptonite darauf zurück, was Überleben wirklich bedeutet.
Zur Vorstellung gehört ein 30-minütiger Prolog für behindertes Publikum und deren Assistenzpersonen. Der Prolog ist Teil des Stücks und beinhaltet eine Touch Tour, Pre-Show Access und Early Boarding. Für nichtbehindertes Publikum beginnt die Vorstellung 30 Minuten später.

Hinweise zum Stück +

Künstlerische Co-Leitung, Performance Nina Mühlemann, Edwin Ramirez Entwicklung, Performance Flor Adam Méchain, Roy Fischer Dramaturgie Alexandrina Hemsley Dramaturgie, Audiodeskription Noah Mundinger Mitarbeit Audiodeskription, Performance Brianne Deproose Choreografie Alessandro Schiattarella Produktionsleitung Laeticia Blättler (Moin Moin Productions) Produktionsassistenz Pauline Della Bianca (artFAQ Rundlauf) Szenografie Theres Indermaur Kostüme Nicole Frei Kostümassistenz Denisa Svachova Sounddesign, Tontechnik Susanne Affolter Lichtdesign Tina Bleuler, Patrik Rimann Technische Leitung, Lichttechnik Patrik Rimann Beratung Relaxed Performance Noa Winter Beratung für Soundeffekte Marquis McGee Dramaturgische Beratung Tanzhaus Zürich Lisa Letnansky Fotos Mayar El Bakry

Eine Koproduktion mit dem Tanzhaus Zürich. Gefördert durch Stadt Zürich Kultur, Kanton Zürich, Migros-Kulturprozent disframe, Max Bircher Stiftung,

2 junge Frauen sprechen live auf der Bühne über Liebe und Sex.
Sie berichten von ihren Erfahrungen.
Mit Zärtlichkeit, Humor und großer Ehrlichkeit.
Sie erzählen von ersten Küssen, Verabredungen, Sex und Verabredungen im Internet.
Aber sie fragen auch:
Haben alle Körper den gleichen Zugang zur Liebe? 
Das Stück heißt: „Bodies we fall for“.
Das spricht man so aus: Baddies wie foll for.
Übersetzt heißt es: Körper, in die wir uns verlieben.
Liebe ist politisch.
Liebe ist eine Form von Widerstand.
Wer hat Zugang zur Liebe?
Und wer nicht?

Hinweise zum Stück +

Mit Nayia T. Karacosta, roz, Inna Shparber (DGS) Regie und Recherche Elena Sokratous Text, Recherche und Performance Nayia T. Karacosta Poesie, Recherche und Performance roz (Panayiota Zintili) Bewegung Eleftheria Sokratous, Stella Zannou Szenografie Julia Georgiadou Kreative Barrierefreiheit, Tournee-Produktion Christos Papamichael Video-Einführung Panagiotis Paschalidis Schnitt Andreas Touloumis Lichtdesign Vassilis Peteinaris Plakatdesign Evanthia Kepola Dolmetschung in Deutsche Gebärdensprache Inna Shparber Kommunikationsassistenz Matilde Giannotti Produktion Ipogeia Skini Polichoros Sinergeio, Limassol (Zypern) Tournee-Produktion liminal (Griechenland)

Wie fühlt sich Liebe an? 
Zum Thema Liebe gibt es viele Fragen.
Am Ende einer Frage steht immer ein Frage·zeichen.
Dieses Frage·zeichen trifft auf eine Wolke. 
Die Wolke schwebt verliebt im Raum herum.
Dabei trifft sie auf ein aufgedrehtes Hormon.
Auf eine Erdbeere, die Süßigkeiten liebt. 
Und auf den Frust. 
Sie lernen sich kennen. 
Sie nähern sich an. 
Sie verbiegen sich, um ein·ander zu gefallen. 
Sie sind wütend auf sich selbst. 
Oder sie schmelzen dahin, wenn sie sich sehen.
Denn wie funktioniert das mit der Liebe? 
Die Gefühle spielen verrückt.
Und wer blickt hier noch durch? 
„Chaos der Gefühle“ ist Rachel Rosens zweites Stück für das Theater an der Park·aue. 
Das Stück ist voller Witz und Leidenschaft.
Es erzählt von Mut.
Von Selbst·liebe.
Von Neugier.
Nur so kann man heraus·finden, was man wirklich liebt. 
Die Lieder wurden extra für das Stück geschrieben.
Louis Edler hat die Lieder geschrieben.
Es sind echte Ohrwürmer.

Hinweise zum Stück +

Mit Jessica Cuna, Caroline Erdmann, Elisabeth Heckel, Jakob Kraze, Andrej von Sallwitz Regie, Komposition Anton Berman Bühne Eva Lochner Kostüme Vinzenz Schechner Songtexte Louis Edler Dramaturgie Leonie Graf Mitarbeit Regie Alexander Riemenschneider Künstlerische Vermittlung und Partizipation Shalün Schmidt Ausstattungsassistenz Rózsa Sebo Regieassistenz Melina Archipoff, Isabel Nagel lnspizienz Anne-Sophie Attinost Redaktion Relaxed Performance Miles Wendt Licht Jaline Richter Bühnentechnik Hermann Meyn Ton- und Videotechnik Sebastian Eßl Maske Julia Habib, Michaela Wunderlich Requisite Sarah Kornettka Ankleiderei Sabine Hannemann, Ute Seyer, Birgit Wilde Technische Direktion Robert Schumann Konstruktion Bühnenbild Matthias Bade Leitung Kostüm Sebastian Wahedi Gefördert im Programm Zero – Klimaneutrale Kunst- und Kulturprojekte der Kulturstiftung des Bundes. Gefördert von dem Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien. Das Stück „Chaos der Gefühle“, die dazugehörigen Songtexte und Kompositionen entstanden am Theater an der Parkaue in der Spielzeit 25/26 im Rahmen des Projekts „Love Lab“, in dem behinderte und nicht-behinderte Künstler*innen zusammen zu den Themen Körper, Liebe und Sexualität für ein junges Publikum arbeiteten.

Das Stück heißt: Dancing Is Stimming and Stimming Is Dancing.
Das ist Englisch.
So spricht man es aus: Dänßing is Stimming and Stimming is  Dänßing.
Übersetzt heißt das: Tanzen ist Stimming und Stimming ist Tanzen.
Was ist Stimming?
Beim Stimming mache ich bestimmte Bewegungen oder Geräusche immer wieder.
Stimming kann mir helfen.
Zum Beispiel:

• Ich kann mich dadurch beruhigen.
• Ich kann mich vielleicht besser konzentrieren.
• Ich kann starke Gefühle besser aushalten.
  Angst.
  Oder Freude.
• Ich kann mit Aufregung besser umgehen. 

Es gibt verschiedene Arten von Stimming.
Zum Beispiel:

• mit den Händen oder Fingern wedeln oder wackeln
• immer wieder dasselbe Geräusch machen
• einen Gegenstand immer wieder drehen, drücken oder reiben
• mit dem Körper vor und zurück wippen

Jeder Mensch macht Stimming anders.
Und nicht jede Art von Stimming hilft jedem Menschen gleich gut.
Ich muss also heraus·finden: 
Hilft mir Stimming?
Und:
Welche Art von Stimming fühlt sich für mich gut an?

Dr. Aby Watson ist Künstlerin und Wissenschaftlerin.
Sie findet:
Auch Tanzen kann Stimming sein.
Beim Tanzen bewegt man den Körper im Rhythmus zur Musik.
Und das ist Stimming.
In diesem Stück erklärt Dr. Aby Watson, warum das so ist.
Und sie zeigt es auch.
Sie arbeitet mit Klängen.
Mit ihrer Stimme.
Und mit Bewegungen.
Ihr Vortrag ist spannend.
Und man kann viel dabei lernen.

Hinweise zum Stück +

Performance Dr. Aby Watson, Aniela Piasecka Konzept, Choreografie, Text Dr. Aby Watson Assistenz für Barrierefreiheit Aniela Piasecka Outside Eye Aniela Piasecka, Mele Broomes Produktion Vicky Wilson

„Ex Silens“ ist Latein.
Übersetzt heißt es: Aus der Stille.
Das Stück verbindet Bewegung, Klang, Raum und Technik.
Man kann das Stück mit allen Sinnen erleben.
Marco Donnarumma benutzt Bio·maschinen.
Die Bio·maschinen sind wie neue Organe.
Marco Donnarumma hat diese Organe gemacht.
Sie verstärken und verändern Töne.
Töne, die immer schon da waren.
Sie verstärken die Klänge von Marco Donnarummas Körper.
So verbreiten sie die Klänge weiter.
Durch die Körper des Publikums.
Das Stück ist ein besonderes Erlebnis für das Publikum.
Für hörende Zuschauer*innen.
Für schwer·hörige Zuschauer*innen.
Und für Taube Zuschauer*innen.

Hinweise zum Stück +

Konzept, künstlerische Leitung, Performance, Choreografie, Dramaturgie, interaktive KI-Musik, Programmierung Marco Donnarumma Konzept der Prothesen, Morphologie, Konstruktion, Fertigung und KI-Programmierung Marco Donnarumma Kollaborative Forschung an Hardware, KI-Software Intelligent Instruments Lab der Isländischen Universität der Künste Bühnenbild Marco Donnarumma, Anna Cingi Lichtdesign Andrea Familari Visuelles Design, 3D-Modellierung und 3D-Druck der Prothesen Anna Cingi Zusätzliche 3D-Modellierung und 3D-Druck der Prothesen Christian Schmidts Kollaborative Forschungsgruppe Wojciech Czernia, Adriane Große, Ann-Catrin Gruber, Martin Holst, Mara Matzke Live-Tontechnik Leon Dohr Live-Lichtsteuerung Desirée García López Beschreibungstexte des Kunstwerks Marco Donnarumma Outside Eye Margherita Pevere, Jan Rohlf

„Ex Silens“ ist ein Werk und eine Produktion von Marco Donnarumma. Koproduziert von PACT Zollverein und mit wissenschaftlicher Unterstützung des Intelligent Instruments Lab an der Iceland University of Arts in Reykjavík. Gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen im Rahmen des Medienkunst-Stipendiums.

EXXY ist australisch.
Übersetzt heißt es: teuer.
In dem Stück geht es um Wert·schätzung.
Es geht um die Frage:
Wie kann man sich selbst wert·schätzen?
Vor allem dann, wenn es die Gesellschaft nicht tut?
In dem Stück geht es um Verletzlichkeit.
Um ein schwankendes Selbst·wert·gefühl.
Es geht um Gedanken wie:
Ich kann das nicht.
Ich bin gar nicht so gut.
Meine Erfolge waren nur Glück.
Dan Daw hat das Stück gemacht.
Er war schon 2022 beim NO LIMITS.
Damals mit seinem Stück „Die Dan Daw Show“.
Dan Daw nimmt das Publikum mit in das australische Outback. 
Das Outback ist eine große Landschaft in Australien.
Dort leben nur wenige Menschen.
Viele Orte sind sehr weit von·einander entfernt.
Es ist dort oft sehr trocken und sehr heiß.
Dort wurde Dan Daw geboren.
Und dort ist er aufgewachsen.
Seine Familie besteht aus Arbeiter*innen.
Die Familie lebt mit wenig Geld.
Dan Daw zeigt in dem Stück:
Wie hat sich sein Leben seit·dem entwickelt?
Und er zeigt:
Er ist weit gekommen.
Dan Daw steht mit 3 anderen Schauspieler*innen auf der Bühne.
Sie gehen wie er.
Sie sprechen wie er.
Das ist etwas Neues und Besonderes für Dan Daw.
In diesem Stück kann er einer von Vielen sein.
Sonst fällt er immer auf.

Hinweise zum Stück +

Performance, Mitarbeit Dan Daw, Tiiu Mortley, Joseph Brown, Sofia Valdiri Künstlerische Leitung Dan Daw Co-Regie Sarah Blanc Dramaturgie, Co-Autor Brian Lobel Bühnebild, Kostümbild Kat Heath Lichtdesign Nao Nagai Komposition Guy Connelly Sounddesign Lewis Gibson Associate Sounddesign, Tontechnik Seb Falcone Videodesign, Gestaltung der kreativen Untertitel Sarah Readman Kostümleitung Izzie Byers Geschäftsführung, Produktion Liz Counsell Produktionsleitung Froud Technische Bühnenleitung Emily Winsor Assistenz für Barrierefreiheit, Produktion Georgie Luppi Assistenz für Barrierefreiheit Lottie Vallis Produktions-Fellow Erin Clark

Eine Auftragskoproduktion von Attenborough Centre for the Creative Arts, Battersea Arts Centre, Transform, Take Me Somewhere und Tramway für „New Dimensions“, weiterhin von Fabric, Kampnagel, Sadler's Wells, SICK! Festival und Les Halles.
Eine „Unlimited International Strategic Commission“, ermöglicht durch die Förderung des British Council. Unterstützt durch das Arts Council England und die Cockayne 10th Anniversary Grants for the Arts.
Koproduziert vom Battersea Arts Centre.

Wie können wir die Arbeit behinderter Menschen fairer gestalten? Im Rahmen der Initiative „Übermorgen“ hat das Theater Thikwa im letzten Jahr Beschäftigungsmodellen für behinderte Künstler*innen kritisch untersucht – etwa den fehlenden Mindestlohns in Werkstätten für behinderte Menschen. Projektleitung Juno Mahla zeigt nun die Ergebnisse und stellt Ideen vor, was besser werden kann: Es geht um faire Bezahlung und weniger Abhängigkeit von Ämtern, das Recht auf Selbstbestimmung, mehr Sichtbarkeit und Sicherheit. Die Ansätze diskutieren wir anschließend mit Ensemblemitgliedern des Theater Thikwa, dem Bundesbeauftragten für die Belange von Menschen mit Behinderungen Jürgen Dusel (angefragt) und der Co-Leitung von Making a Difference, Juli Reinartz.

Was ist gerecht?
Und was Recht? 
Welche Rechte und Pflichten haben Menschen mit Behinderungen in Gerichts·verhandlungen? 
Um diese Fragen geht es im Stück „Justices“.
Das Stück erinnert an ein sehr altes Theater·stück.
An die „Göttliche Komödie“ von Dante.
Das Stück ist 700 Jahre alt.
Das passiert in dem Stück: 
Ein Mann geht in die Hölle.
Dunkle Kräfte treiben ihn an.
In der Hölle leben Menschen.
Sie wurden aus der Gesellschaft ausgeschlossen. 
Andere Menschen haben sie ver·urteilt oder bestraft.
Der Mann will etwas verändern.
Er kämpft für Gerechtigkeit und Freiheit.
Und er sucht nach Erlösung.
Viele Menschen werden nicht gesehen.
Wir hören ihnen nicht zu.
Wie können wir zu·einander finden?
Wir müssen auf andere Menschen zu·gehen.
Unsere eigenen Grenzen überwinden.
Das ist der einzige Weg zu·einander.
Oder?

Hinweise zum Stück +

Konzept, Regie, Text Clément Papachristou Künstlerische Mitarbeit, Spiel, Text Edouardo della Faille, Guillaume Paps, Noémie Zurletti Bühnenbild, künstlerische Mitarbeit Silvio Palomo Bühnenbildhospitanz Auriane Leclercq Dramaturgie, künstlerische Mitarbeit Marie Alié, Salim Djaferi Kostümbild Darius Dolatyari-Dolatdoust Kostümhospitanz Manon Bery Lichtdesign Ana Samoilovich Musikkomposition Joseph Schiano di Lombo Malerei Guillaume Paps Technische Leitung Florence Dubru, Ludovic John (auf Tour) Inspizienz Pierre-Antoine Martin, Ludovic John (auf Tour) Lichttechnik Arthur Demaret Tontechnik Jeison Pardo Rojas Rechtliche Beratung Germain Haumont Wissenschaftliche Mitarbeit Marie Astier Menschliche und künstlerische Begleitung von Edouardo della Faille und Guillaume Paps Valentine Houot Unterstützung Schneiderwerkstätten des Théâtre National Wallonie-Bruxelles Szenografische Produktion Pôle de mutualisation de services & ressources techniques Workshop-Begleitung des kreativen Prozesses Mue du Lotus im Rahmen einer Förderinitiative von Interrégions Grand EST // Region Brüssel, Kinneksbond, Maison de la culture de Tournai, La Bulle Bleue, Teatr21, La Bellone – Maison du Spectacle, Creahmbxl Produktion Théâtre National Wallonie-Bruxelles, Compagnie SAINTSGENS – Clément Papachristou Koproduktion Théâtre de Namur, Mars - Mons arts de la scène, Maison de la culture de Tournai - Maison de création, Kinneksbond - centre culturel Mamer, La Bellone – Maison du Spectacle, le Créahm-Liège, La Coop asbl, Shelter Prod In Zusammenarbeit mit Créahmbxl (Kreation und geistige Behinderung) Gefördert von Föderation Wallonie-Brüssel (Allgemeiner Dienst für künstlerisches Schaffen – Abteilung Theater), Le Corridor – Liège, Montevideo / Festival Actoral, ICC – Internationaler Strafgerichtshof, Le Marteau, Taxshelter.be, ING, Tax Shelter der belgischen Föderalregierung Forschungsstipendium Théâtre et Public

„Mark of a Woman“ ist Englisch.
So spricht man es aus: Mark of ä wummen.
Übersetzt heißt es etwa: Spuren des Frau·seins.
Wie wird Geschlecht in unsere Körper ein·geschrieben? 
Von Geburt an?
Chisato Minamimura beschäftigt sich mit Tattoos.
Sie fragt:
Welche Zeichen tragen Frauen auf ihrem Körper?
Manche Zeichen wählen Frauen selbst.
Andere Zeichen werden ihnen von der Gesellschaft gegeben.
In dem Stück werden verschiedene Techniken miteinander vermischt:

• Gebärden·sprache
• Bilder 
• Projektionen, also Filme die mit einem Beamer gezeigt werden

In dem Stück gibt es Gurte, die man am Körper spüren kann.
Sie bewegen sich.
Und sie übertragen die Bewegung auf den Körper.
Das Stück fragt:
Können Frauen selbst bestimmen, welche Zeichen sie auf ihrem Körper tragen?
Wer hat die Macht darüber?
Und:
Was ist mit Zeichen, die andere uns gegeben haben?
Können wir uns davon lösen?

Hinweise zum Stück +

Künstlerische Leitung, Performance Chisato Minamimura Produktion Tom Curteis Projektleitung Emi Del Bene Produktionsleitung, Lichtdesign Jon Armstrong Projektionsdesign Mark Morreau Sounddesign Dominic Kennedy Animation Dan Chambers Dramaturgische Begleitung Sarah Pickthall, Orrow Bell Kostümbild Sophie Donaldson Videografie Caroline Smith Interviews Sonia Zambakides, Shuko Fujita BSL-Übersetzung Fifi Garfield Visual-Vernacular-Beratung Giuseppe Giuranna Beratung für BSL / Visuelle Sprache Ramesh Meyyappan Tattoo-Beratung Stewart O'Callaghan, Nikole Lowe Gefördert durch Arts Council England, Unlimited, The Place, Battersea Art Centre Unterstützt von Pavilion Dance South West, Wellcome Collection, Auckland Arts Festival

Was versteckt sich hinter diesen roten Vorhängen? 
Worauf geben sie den Blick frei? 
Es ist geheimnis·voll.
Die Tänzer*innen erzählen verschiedene Geschichten.
Sie machen Beziehungen zu·einander sichtbar.
Die Geschichten gehen in·einander über, verschwinden. 
Die Vorhänge bewegen sich.
Oft lassen sie uns nur einige Einzelheiten sehen.
So verändert sich unser Blick·winkel auf Themen wie Freude, Neugier und Vorstellungs·kraft.

Bewegungen aus dem Alltag bekommen auf der Bühne eine andere Kraft.
So entstehen Situationen voller Sehnsucht und Liebe. 
Aber es gibt auch Probleme:
Warum gestehen wir uns unsere Wünsche nicht ein?
Warum leisten wir Widerstand?

Hinweise zum Stück +

Mit Rafael Belinha, Kit Brown, Tomáš Červinka, Hazuki Kojima, Marlene Bergqvist, Hanna Nussbaumer, Michael Marquez Choreografie in Zusammenarbeit mit den Tänzer*innen Aristide Rontini Dramaturgie Gaia Clotilde Chernetich Musik Vittorio Giampietro Idee Bühnenbild Aristide Rontini Lichtdesign Jesper Berger Kostümbild, Kostümbetreuung Maja Svartåker Probenleitung Belinda Nusser Inspizienz Juan Carlos Mendoza Tontechnik Jakob Erlandsson Lichttechnik Emanuel Arvanitis

Gefördert durch den Schwedischen Kulturrat und Europe Beyond Access, kofinanziert von der Europäischen Union.

„Ich habe keine Angst vor meinem Körper. 
Würdest du dich wohler fühlen, wenn es anders wäre?“ 
Das fragt die mexikanische Künstlerin Julia Pastrana.
Mit ihr beschäftigt sich das Stück „MONGA“.
Jéssica Teixeira beschreibt ihr Leben.
Julia Pastrana war Tänzerin, Sängerin und Künstlerin.
Sie hatte eine seltene Erkrankung. 
Durch die Erkrankung waren ihr Gesicht und ihr Körper stark behaart.
Darum wurde sie in „Freak Shows“ ausgestellt. 
Also auf zum Beispiel auf Jahrmärkten.
Auch nach ihrem Tod wurde ihr Körper noch öffentlich gezeigt.

Julia Pastrana erzählt ihre Geschichte.
Sie erzählt sie mit ihrem eigenen Körper.
Sie steht in grellem Licht.
Sie kommt dem Publikum ganz nah.
Sie ist witzig.
Und schockierend.
Sie lässt sich anstarren.
Sie starrt zurück.
Ein Abend zwischen Aktions·kunst, Sprache und Konzert. 
Mit dem ein oder anderen Schluck Schnaps.

Am 16.11. wird nach der Aufführung ein Buch über das Stück vorgestellt.
Das Buch gibt es auf Englisch und auf Portugiesisch.

Hinweise zum Stück +

Regie, Performance, Stückentwicklung Jéssica Teixeira Musikalische Leitung, Gitarre Luma Zabumba Juliano Mendes Videokunst Çiça Lucchesi Technische Leitung Jimmy Wong Produktion, Untertitelung Rodrigo Fidelis oder Khazar Masoumi (Corpo Rastreado)

Gastspiel mit Unterstützung des Goethe-Instituts.

Hier lassen DJs die Bühne beben.
Mit wummerndem Rhythmus.
Mit Sprach·witz.
Und mit Tanz.
Hier treten die Künstler*innen gegen·einander an. 
Über den Sieg entscheiden nicht nur Rhythmus und Reime.
Aber auch Mut und Selbst·vertrauen. 
Was bedeutet es, wirklich cool zu sein? 
Welchen Kämpfen begegnen wir im Leben? 
Sind wir bereit, sie zu gewinnen?

Hinweise zum Stück +

Von und mit Felix Brünig, Mc Josh, Lia Massetti, Stephan Sauerbier Regie Ismail Arslantürk, Atalay Dogan Regie-Beratung Ellen Uhrhan Musik Mc Josh Technik Constantin von Thun

„Sleight of Hand“ ist Englisch.
So spricht man es aus: Sleyt of Händ.
Übersetzt heißt es etwa: Geschickte Hände.
Es ist eine Kunst·aktion.
Zusammen mit dem Publikum.
Das Publikum wird eingeladen, Dinge mit den Händen zu erleben.

Die Kunst·aktion verbindet verschiedene Arten von Kunst:

• unbekannte Dinge
• Audio·deskription, also die Beschreibung von Dingen und Bildern
• Dinge zum Anfassen 
• Tanz
• Klänge

All das können wir entdecken. 
Es geht nicht nur um das, was wir sehen.
Wir erleben die Dinge mit anderen Sinnen.

Jo Bannon war schon 2019 bei NO LIMITS zu Gast.
Sie lässt uns über die Welt staunen.
Über die Merkwürdigkeit der gewöhnlichen Welt.

Von Jo Bannon Produktion Jo Bannon Productions Sounddesign Julie Rose Bower Tontechnik Joe Cusack Bühnenbild, Kostümbild Katherina Radeva Anfertigung Bühne und Kostüm Rositza Radeva Produktionsleitung Froud Beratung Audiodeskription Laura Dannequin Performance, Moderation Kit Hall, Hannah Sullivan Ursprünglich produziert von MAYK

Sleight of Hand ist Teil von Blind Magic: Ein Triptychon von Kunstwerken, das die Performativität von Sehbehinderung untersucht. Passing (Film), Sleight of Hand (partizipative Installation) und The Dirty Work (Live-Performance), entwickelt von Jo Bannon. Eine Auftragsarbeit des Unlimited UK Partner Award 2023 in Zusammenarbeit mit der Wellcome Collection, ermöglicht durch die Förderung des Arts Council England.

„The Sound of Void“ ist Englisch.
So spricht man es aus: De Saund of de Weud.
Übersetzt heißt es: „Der Klang der Leere“.
In dem Stück geht es um die Stille. 
Wie können wir die Stille erleben?
Durch Bewegung?
Durch Klang?
Und was ist, wenn es nicht still ist?
Die Aufführung spielt in einem dunklen Raum.
2 Figuren wollen mehr über sich selbst heraus·finden. 
2 unterschiedliche Leben.
Sie nähern sich an.
Und das Publikum? 
Wird in diesen privaten Raum hinein·gezogen. 
Es gibt Lücken zwischen dem, was gezeigt wird und der Leere.
Das Publikum füllt diese Lücken mit der eigenen Vorstellungs·kraft.

Hinweise zum Stück +

Künstlerische Leitung, Tanz, Choreografie Míriam Aguilera, Rita Noutel

Das Theater∙stück „UND TSCHÜSS!“ handelt vom Weg∙gehen und Bleiben.
Manche Menschen wollen auswandern oder fliehen. 
Andere denken darüber nach, warum sie bleiben.
Theater Thikwa und Turbo Pascal machen das Stück zusammen. 
Es geht um Träume, Ängste und Fantasien.

Robert träumt davon, nach London zu ziehen und die große Liebe zu finden. 
Margret überlegt, wo auf der Welt sie Theater und Yoga machen könnte.
Rudina will weg, weil sie sich in Deutschland nicht mehr wohlfühlt. 
Louis hat Angst vor Drohnen am Himmel und denkt über Flucht nach.

Das Stück fragt: Gibt es einen Ort, der sicher für alle Menschen ist? 
Ein Ort, der dem Klimawandel und einem Atomschlag standhält? 
Und wenn es diesen Ort gibt, wer kann da hin? 

Das Stück ist interaktiv. 
Das heißt: die Zuschauer*innen machen mit. 
Man muss aber nicht mitmachen. 
Sie erzählen, warum sie weggehen oder bleiben wollen.
Auf der Bühne reisen sie gedanklich an verschiedene Orte. 
Sie erleben gute und schlechte Reisen.
Und sie stoßen auf Hindernisse. 
Es gibt auch einen Green-Screen.
Das heißt:
auf der Bühne werden Videos als Hintergrund gezeigt.

Das Stück fragt: Welche Schwierigkeiten gibt es beim Weg∙gehen? 
Haben alle Menschen die gleichen Möglichkeiten, zu gehen?
Wie kann man gemeinsam sichere Orte schaffen?
Wie kann man bleiben und anderen helfen?

Hinweise zum Stück +

Von und mit Addas Ahmad, Rudina Bejtuli, Louis Edler, Robert Janning, Angela Löer, Eva Plischke, Margret Schütz Konzept/Regie Turbo Pascal Bühne + Kostüme Janina Janke Musik Friedrich Greiling / Mittekill Video Daniela del Pomar, Paul Holdsworth Lichtdesign Gustav Kleinschmidt Mitarbeit Regie Luisa Klidis Mitarbeit Bühne & Kostüme Anneke Frank Produktionsleitung xplus3 Produktionsbüro (Lisanne Grotz, Marit Buchmeier) Technik Holger Duhn, Eric Scheller, Constantin von Thun Übertitel Barbara Wiebking Audiodeskription Elena Jansen (Erstellung & Sprechen), Evelyn Sallam (Redaktion) Assistenz Maj Rauert Backstage Betreuung Leonor Gaudêncio

Gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln des Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien.

 „Von Sprüngen und Klasse“ ist eine kurze Aufführung von Steven Solbrig.
Darin geht es um Stevens Leben.
Steven Solbrig beschreibt das Fenster der ersten eigenen Wohnung.
Das Fenster ist eine Verbindung nach draußen.
Aber es trennt auch drinnen von draußen.
Und ein Fenster kann ein Spiegel sein.
Steven Solbrig schaut durch dieses Fenster.
Steven sieht Körper.
Armut.
Und Zigaretten·schachteln.
Steven Solbrig schlüpft in Rollen. 
Aber Steven lässt sich nicht fest·legen.
Das Stück ist eine Suche.
Eine Suche nach dem, was verbindet oder auch nicht.

Hinweise zum Stück +

Konzept, Sound, Performance Steven Solbrig Dramaturgische Unterstützung Felicia Daniel Sprecher*innen Marietta Füllenbach, Jan Maihorn, Yannic Köhler

Entdeckt Tanz und Tanz·stücke.
Zusammen mit den Tänzer*innen des Skånes Dans·teater. 
Das Stück startet mit Bewegungen und Tanz·schritten aus dem Tanz·stück „May Fall“.
Gemeinsam finden wir heraus:
Wie kann man eine Bewegung auf verschiedene Körper über·tragen?
Was muss man anpassen?
Wir probieren es zusammen aus.
Wir lösen zusammen verschiedene Aufgaben.
So finden alle ihren eigenen Zugang zum Stück „May Fall“.

Die Bewegungen sind nicht fest·gelegt.
Wir wollen zusammen herausfinden:
Wie kann sich dein Körper bewegen?
Welche Möglichkeiten gibt es für jede einzelne Person?
Der Workshop ist für behinderte und nicht·behinderte Menschen. 
Ihr müsst nicht tanzen können. 

„Occupying the Void“ ist Englisch.
So spricht man es aus: Okk·ju·pei·ing de Weud.
Übersetzt heißt es: „Die Leere ein·nehmen“.
Es ist ein Tanz·workshop zum Mit·machen.
Die Tanz·gruppe Yurdance hat das Stück „The Sound of Void“ entwickelt.
Dabei haben sie besondere Erfahrungen gemacht.
Sie haben Bewegungen mit verschiedenen Körpern ausprobiert.
Diese Erfahrungen wollen sie jetzt mit anderen teilen.
Sie wollen Vielfalt feiern.
In diesem Workshop.

Der Workshop ist für behinderte Künstler*innen.
Und für alle anderen, die an dieser Art von Tanz·arbeit interessiert sind.

Workshop-Anleitende Rita Noutel, Míriam Aguilera

Beim Stimming mache ich bestimmte Bewegungen oder Geräusche immer wieder.
Um mich zu beruhigen.
Oder um mich besser konzentrieren zu können.
Hier wird es noch genauer erklärt.
Wir alle nutzen Stimming.
Aber für manche Menschen ist es besonders wichtig.
Denn alle Gehirne funktionieren unterschiedlich.
Darum brauchen auch alle Menschen unterschiedliche Dinge.
Zum Beispiel, um sich zu beruhigen.
Dieser Workshop ist mit Dr. Aby Watson.
Wir probieren verschiedene Stimming·techniken zusammen aus.
Mit dem Körper.
Mit der Stimme.
Oder mit Gegenständen.
Wir machen Übungen zusammen.
Wir sind zusammen neugierig.
Wir lassen uns auf Rhythmus und Wiederholung ein. 
Der Workshop ist offen für alle.
Ihr braucht keine Vor·erfahrungen.
Nur Lust, zu spielen und Neues zu entdecken. 

Keine Bühne.
Kein Mikrofon. 
Und keine Reihen·folge: 
Hier redet niemand von vorn. 
Sondern alle reden mit·einander. 
Setzt euch einfach an einen der Tische zu den Künstler*innen und dem NO LIMITS-Team. 
Auf den Tischen liegen Fragen zum Stück.
Ihr könnt erzählen:
Was hat euch in der Vorstellung beschäftigt?
Oder Ihr könnt einfach nur zu·hören und euer Getränk genießen. 

Nach etwa 45 Minuten lösen sich die Tisch·runden auf. 
Ihr könnt aber auch früher gehen. 
Oder später dazu·kommen.

 [in]operabilities ist eine Gruppe aus Hamburg und Berlin. 
Sie entwickelt Musik·theater für alle Sinne.
Und die Gruppe erforscht:
Wie kann Barriere·freiheit aussehen?
Und wie kann Barriere·freiheit Kunst sein?
Im aktuellen Projekt von [in]operabilities geht es um Foyers.
Also um den Eingangs·bereich von Theatern.
Wie einladend sind Foyers?
Und wie barriere·frei? 
Wie sieht das perfekte Foyer für euch aus? 

Diese Fragen stellen Euch Benjamin, Franz und Fia.
Dafür sind sie beim NO LIMITS-Festival unterwegs.
Vor und nach den Vorstellungen. 
Sie haben Post·karten mit Fragen dabei. 
Und Ihr könnt die Fragen beantworten.
Seid Ihr neugierig? 
Dann sprecht sie einfach an!